Gustavo Guirado

2010-07-26T08:44:00.000-07:00

Entrevista a Gustavo Guirado por el "Club de Fan"

Comentario de la obra en:

http://www.clubdefun.com/news.cgi?accion=vernew&id=3059

"LA TEMPERATURA" de Gustavo Guirado - 2009/2010

2010-07-25T07:01:00.000-07:00

"LA TEMPERATURA"

La historia transcurre en una tapera en algún lugar de la pampa. Cuatro sobrevivientes de un circo criollo que se extravió: La Señora, Marcial, Coronel Lampedusa y Fierro. A través de los días, mientras esperan el posible regreso de la caravana circense, el Coronel y Fierro tendrán la tarea de preñar a La Señora, bajo las instrucciones y cuidados de Marcial, con el objetivo de poblar ese territorio que ha quedado desierto.

ELENCO: Claudia Schujman. Miguel Bosco. Edgardo Molinelli. Guillermo Becerra

DRAMATURGIA Y DIRECCIÓN: Gustavo Guirado

TRAILER DE LA OBRA EN: http://www.youtube.com/user/LATEMPERATURATEATRO

La Temperatura fue escrita por Gustavo Guirado en 2003. Una primera presentación se realizó en marzo de 2008, en el Auditorio Juan José Saer del Foro Cultural Universitario de la Universidad Nacional del Litoral, de la ciudad de Santa Fe, como parte del Ciclo "Los actores santafesinos leen a los autores santafesinos", organizado por la filial Litoral de Argentores y la Universidad Nacional del Litoral. En dicha oportunidad Raúl Kreig, Mariana Mathier, Eduardo Fessia y el propio Gustavo Guirado leyeron la obra hasta entonces titulada "La última mujer o la temperatura", bajo la dirección de Jorge Ricci. En Abril de 2008 comenzaron los ensayos de la versión actual. Una vez constituido el elenco (Schujman, Bosco, Molinelli y Becerra) el trabajo se desarrolló con criterios de dramaturgia de grupo. El texto como impulso para improvisaciones, asociaciones poéticas, resonancias e imágenes de los actores que van modificando la estructura del mismo. Este proceso derivó en nuevos textos y acciones, en objetos encontrados y construidos para la escena y en ideas de vestuario. Al cabo de 5 meses de ensayos, se convocó un equipo técnico integrado por un vestuarista y maquillador (Ramiro Sorrequieta), escenógrafos y constructores de objetos (Andrea Garboza, Marcos Sepúlveda y Leandro Ferraro) y a un iluminador (Alejandro Ghirlanda) para que aporten opiniones y realicen trabajos específicos.De este modo, el montaje es el resultado de la reescritura de la obra propuesta por el autor-director a partir del trabajo de los actores. Privilegia un ámbito intimista, con la intención de recrear la atmósfera de una tapera, un rancho abandonado en la inmensidad de la pampa.

CRITICAS:

http://www.pagina12.com.ar/diario/suplementos/rosario/12-17798-2009-03-22.html
http://www.critea.com.ar/critica/show/id/30
http://www.clubdefun.com/index.cgi?mod=contentFront&accion=get&comando=article&_wf=true&skin=home_nueva&force_skin=1&articleId=2413&force_publish=true http://www.ellitoral.com/index.php/diarios/2009/09/11/culturadiario/CULT-02.html
http://www.notife.com/noticia/articulo/985391.html
http://www.revista-noticias.com.ar/comun/notaseccion.php?ed=1718&art=1036

La Temperatura se formula entorno de algunos de los traumas fundacionales de la Argentina como idea geopolítica y campo imaginario que desde el siglo XIX viene promoviendo la desmesura como modo de construcción, la violencia aniquiladora de los otros a modo de formulación territorial y la esquizofrenia como modalidad comunicacional. Y todo en clave sonámbula, errancia insomne y grotesca, al parecer de largo aliento, y ya constitutiva, de aquel fallido y torpe recurso retórico llamado ser nacional. Algunos textos emblemáticos que ayudaron a pensar esta obra son: Radiografía de la pampa, de Martínez Estrada, Martín Fierro, de José Hernández, Facundo, de Sarmiento y Una excursión a los indios ranqueles, de Lucio V. Mansilla.Homenaje a la gauchesca y al circo criollo, La Temperatura refiere, además, aspectos mitológicos de la tradición y momentos del devenir político argentino pero sin la pretensión de una reconstrucción de época ni la cita fidedigna de acontecimientos, sino la puesta en escena de un campo poético en imágenes, palabras, íconos, modismos, personajes reconocibles en el habla popular y referencias varias a un pasado que singulariza la historia del país: Juan Moreira y el facón, la pampa y el militar de campaña, la china, el ñandú, la indiada y los malones, los próceres de la Patria y los primeros sueños de nación, la virgen de Guadalupe y el pericón y el malamboy los cuadernos Gloria de tapa dura. Porque la dramaturgia apunta también a formular todo esto como un residuo farfullado desde la memoria confusa de la escuela primaria donde germinaron alguno de estos tópicos. También algunos enunciados que nos ayudaron a encontrar las escenas: gobernar es poblar, civilización y barbarie, comunidad organizada, ni vencedores ni vencidos evita capitana, se siente se siente la indiada está presente, dios es argentino, y si hay miseria que no se note. Todo esto se inscribe dentro de una sintaxis fragmentada pero sin excluir la narración, con una estructura dramática de fuerte impronta onírica, tanto en el relato como en la temperatura de los personajes y en el tratamiento del tiempo y del espacio.

La Temperatura, una historia argentina de cómo preñar a la mujer barbuda del circo dentro de una tapera en el medio de la pampa, sitiada por los perros cimarrones y la indiada.
Gustavo Guirado

PERSONAJES:

La Señora: Mujer barbuda del circo, siempre dispuesta a los rituales de fornicación con vista a la preñez.

Marcial: Sirviente hábil con el cuchillo, conocedor de principios médicos ginecológicos, cuida y atiende en todo a la Señora y se esmera en su fecundación. Es eunuco.

Coronel Lampedusa: Vestigios de un soldado anclado entre la Campaña al Desierto y la última dictadura militar argentina. Caza animales extraños en la pampa.

Fierro: Especie de gaucho, también hábil con el cuchillo. Nunca se lo ve, vive dentro de un lavarropa modelo años 60 que forma parte del mobiliario de la tapera, toca milongas sureñas dentro de su habitáculo.

Seleccionada en el V Festival Nacional de Teatro en Rafaela. Septiembre 2009
Seleccionada al VI ARGENTINO DE TEATRO en Santa fe. Noviembre 2009
Seleccionada al XXV Festival Provincial de Teatro de Santa Fe. 2010
Seleccionada al Festival Regional de Teatro en Córdoba. 2010
Seleccionada al proyecto INT PRESENTAEn el programa INT FESTEJA. 2010

GIRA NACIONAL (Septiembre -2010):
Entre Ríos - Paraná - Santa Fe - Mendoza - San Luis - Río Negro - Jujuy

CONTACTO:
latemperatura@gmail.com
Yanina: 0341 - 156199797

http://www.teatroenrosario.com/

"LA QUEMA" de Gustavo Guirado - 2010

2010-07-24T09:55:00.000-07:00

Elenco: Claudia Schujman y Paula Fernandez

Dramaturgia y Dirección:Gustavo Guirado

TRAILER DE LA OBRA EN: http://www.youtube.com/user/teatrolaquema

"LA QUEMA" (Todo candor trae sangre)

Reseña de la obra:

Una excitación por el fuego recorre de forma espontánea los barrios de toda la ciudad sin que nadie encuentre razones, los vecinos se reúnen en las esquinas a quemar sus propias pertenencias en hogueras colectivas. Queman los objetos ligados a memorias y recuerdos.Dos mujeres, amigas de toda la vida, están en la casa de una de ellas. Una es vice-directora jubilada de una escuela y desespera por no perder su vínculo con la institución en la que trabajó toda una vida, la otra, se prueba la ropa que han dejado los muertos de su familia. Afuera, la ciudad de humo y ceniza, la euforia descontrolada y sin rumbo de la quema.

Palabras del director:

Esta obra indaga en la laberíntica construcción de la realidad, lo efímero del sentido en un mundo sujeto a la mediatización del mismo, preso de la complejidad kafkiana de imaginar el futuro o el mañana inmediato. Trata, además, sobre la precariedad de las palabras para nombrar y significar."La Quema" plantea un mundo donde reina la confusión y la representación salvaje y vacía. Pero también la ternura, como lenguaje último de las cosas últimas, en un mundo, ya, último.

Nota a Gustavo Por Miguel Passarini:

http://puroteatrorosario.blogspot.com/2010/04/el-imaginario-del-actor-pulsa-en-el.html

Nota a Gustavo Guirado por Julio Cejas:

http://www.pagina12.com.ar/diario/suplementos/rosario/12-23485-2010-05-09.html

CRITICAS:

http://puroteatrorosario.blogspot.com/2010/05/el-fuego-camina-con-ellas.html

http://www.replayrevista.com/nota.php?id=1031

http://mas-tarde.blogspot.com/2010/05/teatro-mtqn-la-quema.html

http://www.clubdefun.com/news.cgi?accion=vernew&id=3059

Esta obra cuenta con el apoyo del INT

http://www.teatroenrosario.com/

Entrevista a Gustavo Guirado de la revista ENTREACTE - Barcelona / España

2010-07-23T07:09:00.000-07:00

ENTREVISTA A GUSTAVO GUIRADO «SOBRE LA POÈTICA DE L'ACTOR AL SEGLE XXI»

Texto original en catalán.

http://www.entreacte.lesrevistes.cat/ct/Cos/Entrevistes#14893

Gustavo Guirado és director de teatre i actor. Coordina el Circuito Interbarrial de Teatro, programa de la Secretaria de Cultura de la Municipalidad de Rosario i és docent de les càtedres Actuació III i Direcció d’Actors i Posada en Escena en les dues Escoles Provincials de Teatre de Rosario. És també docent de Perfeccionament i Investigació Actoral i de Direcció i Posada en Escena en seminaris dictats en diferents Festivals Nacionals de Teatre a l’Argentina i en cursos anuals a la ciutat de Rosario. Durant els últims quinze anys ha intervingut com actor en diverses obres de teatre i en diversos llargmetratges. Els seus dos darrers muntatges com a director de teatre han estat: “Medea”, versió lliure sobre la tragèdia d’Eurípides, estrenada l’octubre de 2004, una obra que ha participat en Festivals Nacionals i Internacionals amb premis a la direcció i a l’actuació femenina, i “El rei, les reines, el metge i ella”, basada en textos d’Ionesco i estrenada el novembre de 2006, obra que ha estat seleccionada pel Festival Regional de Teatre d’Argentina 2008.

E. Cervera i A. Solsona entrevistant a Gustavo Guirado

Enric Cervera

- Qui és Gustavo Guirado?

Sóc un actor que dirigeix i que treballa amb altres actors, em dedico a la formació d'actors fonamentalment. Els tallers i els seminaris que jo dono fa quinze anys tenen a veure amb l'experiència d'investigació en relació a l'actuació. De l'actuació per la qual he transitat i continuo transitant. No hagués pogut de cap manera elaborar ni sistematitzar una visió, una concepció del teatre si no hagués estat actuant al mateix temps, que no vol dir que altres sí que ho puguin fer.

- Què entens per poètica?

És el lloc que a través dels miŀlennis ens transcendeix a la contemporaneïtat i de la qual el treball de l'actor n'és l'hereu. Els actors som la tribu més antiga que hi ha al món, som anteriors als jueus, als musulmans… en el principi dels temps l'home era actor, després va venir la paraula, les religions i altres coses. Nosaltres responem a una manera molt antiga de posar el cos en el temps i en l'espai. La idea de la poètica de l'actor pretén posar l'actor en un lloc diferent al de la representació simple d'un text. L'actor genera llenguatge. Evidentment hi ha d'haver un entrenament que apunti cap aquí. Tot això té a veure amb les tradicions stanislavskianes. Estimem la paraula, no la mensytenim, però el llenguatge de l'actor és una cosa més complexa, amb lleis pròpies i autònomes. Un actor és algú que amb la complicitat del director allibera forces a l'escena, ambdós tenen l'assaig com un camp de batalla. Les connexions, les associacions i les ressonàncies personals d'aquest univers incommensurable que és el camp poètic de l'actor té a veure amb les seves imatges, les seves associacions, les seves ressonàncies, les coses que ha llegit, que ha escoltat, les veus de la seva infantesa, les olors, els sabors, la seva postura ideològica davant del món en què viu, la geografia de la qual prové… no és el mateix un actor de Catalunya que un d'Aragó que un d'Extremadura… i això és meravellós, cadascun ressonarà de manera diferent, perquè la terra és diferent, perquè les veus dels seus avantpassats ho són també, les cançons que va escoltar de nen són diferents… tot aquest conjunt de coses que esclata són la poètica de l'actor.

- Els curs que imparteixes és per a actors i per a directors, quines coses tenen en comú?

Només el lloc des d'on es mira és diferent. El director no és fora, el director és dins, i el primer que posa el cos és el director, i si no el posa, l'actor no el posarà mai. Hi ha obres molt ben muntades, molt ben iŀluminades, amb una molt bona dicció dels actors, però són mortes, només hi ha el treball de posada en escena, no es té en compte l'actor, s'hi veuen idees, però no s'hi veu teatre. Per haver-hi teatre hi ha d'haver quelcom d'ineludible que s'hi esdevé en aquest temps i en aquest espai privilegiats on es realitza la comunió entre els intèrprets i els espectadors. Però un veu muntatges i els apila en la seva memòria com diaris a casa seva, informació sobre informació només. L'actor com a poeta implica un conjunt de riscs, l'actor pren decisions que comporten riscs. Què hagués estat de Velàzquez davant Les Menines si no hagués pres un risc? S'han d'assumir riscs davant de l'obra.

- Creus que anem cap a una dramatúrgia universal?

Som meravellosament diferents, i això dóna peu a llenguatges amb unes diferències notables. Veient diferents muntatges en diferents llocs et permet polsar de cada actor el seu propi imaginari. Hi ha coses universals evidentment, però respecte a l'art hi ha quelcom que hem de valorar intensament: la diferència. Som davant d'un nou concepte de l'universal. Pensem en els grans mestres que plantegen coses en el teatre, Grotowsky o Meyerhold que són dos referents importants per exemple. Si llegim els escrits, sobretot de Grotowsky, veurem que ell fa de la forma de treballar, una cosa singular per a cada cultura. L'entrenament, justament apunta a despertar la singularitat de cada lloc. D'un Rei Lear, en llocs diferents en sortiran versions diferents, i això és bo.

- Què hi veus en comú en el teatre que s'està fent a l'actualitat, a l'Argentina i aquí?

Aquí he vist poca cosa. Pel que he parlat amb els alumnes i pel que he sentit, aquí, abans de l'abordatge del muntatge, s'està massa pendent de les idees prèvies del text de l'autor. L'actor i el director sembla que tractin d'entendre el més previsible, les idees d'un text, de com representar-les a escena. És un teatre molt subjecte a la idea de la representació. A l'Argentina en aquest moment hi ha una confusió bastant gran. Per a vosaltres, els argentins som Buenos Aires, i això és com si diguéssim que els espanyols són Madrid. És tan divers el que s'esdevé a l'Argentina, línies i concepcions estètiques tan fortes i diverses que no es pot parlar d'un teatre argentí. El teatre com a llenguatge no és una necessitat implantada, no hi és dins dels hàbits de consum. El teatre com a llenguatge està devaluat perquè implica uns altres codis que els actuals per a la seva percepció. El teatre que jo pretenc fer és amb un espectador molt actiu, molt atent. Un teatre que no sigui només un entreteniment.

- I els actors i els directors del curs, com els avaluaries?

Estic molt sorprès. Jo tenia la idea de que si bé tots tenien experiència actoral com a professionals, tindrien una necessitat molt forta d'enganxar-se al text, i m'han sorprès fent coses amb un gran lliurament i poesia, i amb textos que han portat ells, que des del primer moment han posat en el pla de la teatralitat. Han estat valents al sortir-se'n dels seus hàbits i lliurar-se ràpidament als nous plantejaments. Són molt bons.

- Explica'ns una mica què feu a Rosario?

De Rosario em costa parlar. Allà conviuen diverses línies. Una, que ve dels anys setanta i que va tenir molt a veure amb la resistència a la dictadura militar del país. Una altra, és la del treball que estem fent sobre la dramatúrgia de l'actor i el director, la recerca d'un llenguatge que podríem anomenar “creació coŀlectiva” que és el resultat d'un procés de mesos i té a veure amb l'escriptura. L'escriptura final que anomenem “obra” i que és el que es presenta al públic. Aquesta és una línia molt pròpia de Rosario. Una altra línia és la d'un teatre basat en l'estudi del text com a força principal. L'actor està en funció de representar allò que va entenent que l'autor suposadament va voler dir. Hi ha una altra línia que no acaba de concretar la seva forma de treballar basada en l'espontaneïtat, surten coses interessant però també surten nyaps, respon a les intencions d'innovar, trencar, provar i mesclar multiplicitat de llenguatges.

- Com es concreten aquestes línies?

Sobretot en pactes momentanis. En els darrers anys no hi ha massa trajectòria de grups comptant amb algunes molt valuoses excepcions. En una ciutat com Rosario hi ha greus dificultats econòmiques per tirar endavant projectes. Moltes de les obres que es presenten no estan sostingudes per grups sinó per pactes momentanis. Hi ha actors que estan de pas, ara treballen amb una línia ara amb una altra. Jo generalment treballo amb actors que s'han entrenat amb mi, no cal que tinguin la meva línia, però sí que hagin pogut entrenar-se amb mi durant un cert temps. Ho necessito per poder-los dirigir. A Rosario si bé el director és important no és un objecte de culte. La poca gent que va al teatre va a veure el treball del conjunt.

- Les produccions a Rosario són privades o tenen suport públic?

A l'Argentina tenim el que s'anomena Instituto Nacional del Teatro que dóna una mica (pocs) diners per cobrir una part petita del muntatge. No hi ha teatres oficials amb elencs oficials a Rosario, en altres províncies sí. Els nostres muntatges són senzills en quan a la seva materialitat, cadascú hi posa el que bonament pot.

- Quan temps esteu treballant un muntatge?

Tres dies a la setmana, durant nou mesos. Què més voldríem que poder assajar tots els dies, seria un luxe. Hi ha grans actors molt reconeguts que no viuen del teatre, viuen de fer televisió i cinema. De totes maneres això no és una preocupació.

- Quines són doncs les preocupacions?

La preocupació artística d'uns quants és la del llenguatge. La meva preocupació, i la de molts amb qui comparteixo el treball és: com donar testimoni que el teatre és una elecció de vida que implica valentia. El teatre és per aquells que hi volen posar el cos i que creuen que el teatre és un llenguatge indispensable, que sosté una activitat amb la que creiem, que estimem, en la que invertim la vida, i que no està regida per les modes, la nostra preocupació és tot això. Quan veus una bona obra, alguna cosa se't revolta, alguna cosa se't canvia de lloc, en aquest sentit el teatre també és una activitat revolucionària. El teatre no pot satisfer tots els gustos. Jo els dic als meus alumnes, si vosaltres poseu davant el concepte ‘fama', d'entrada ja heu perdut, dediqueu-vos a la televisió, al cinema, però no perdeu el temps fent teatre.

- En el cinema i a la televisió també hi ha una poètica?

El cinema del Víctor Erice per exemple n'és un exponent. La meravella del teatre és la seva qualitat efímera. Com aprehendre allò que no es pot aprehendre, com fer visible allò que naturalment és invisible, aquestes també són preocupacions. I com sostenir una disciplina de treball davant d'un món absolutament advers al nostre treball, aquesta és la nostra principal preocupació, i també la de fer un treball potent, autèntic i honest. ❚

Entrevista publicada a la revista Entreacte 161 editada per l'Associació d'Actors i Directors Professionals de Catalunya (AADPC)

Curriculum Gustavo Guirado

2010-07-22T08:38:00.000-07:00

A) DATOS PERSONALES

Nombre y apellido: Gustavo José Guirado

Título: Director Nacional de Teatro

Teléfono: 0054 - 0341 - 153169522

E-mail: gguirado@yahoo.com

B) ESTUDIOS REALIZADOS Y EN CURSO

Título

1- Director Nacional de Teatro, otorgado por la Escuela Nacional de Teatro y Títeres de Rosario. Año 1990.

2- En curso: Postítulo en Artes Escénicas. Universidad Nacional de Rosario, Facultad de Humanidades y Artes.

Becas

1- Seminario de Dramaturgia dictado por Mauricio Kartum como becario del Instituto Nacional del Teatro. Buenos Aires 2001.

2- Perfeccionamiento actoral con Ricardo Bartís en el estudio Sportivo Teatral Velazco (Bs. As) durante 1994. Beca ganada por concurso de la Provincia de Santa Fe.

Seminarios y cursos de formación y perfeccionamiento

1- Seminario del Campo de la Formación Orientada Semiótica del Arte dictado por el Prof. Edgardo Donoso durante 2001 y 2002.

2- Seminario de Dramaturgia, dictado par José Sanchis Sinisterra en el Complejo Cultural Parque España de Rosario. Noviembre de 2001.

3- Seminario de Dramaturgia dictado por Mauricio Kartum, en Rosario durante el año 1999.

4- Teatro de Títeres, seminario dictado por Ariel Bufano. 1988.

5- Seminarios con Francisco Javier, el Clú del Clawn, Mirna Brandán y Reynaldo Frezolone, realizados en el marco de los Festivales Nacionales e Internacionales de Córdoba, durante los años 1986, 1987 y 1988.

6- Dirección Teatral, curso de especialización dictado por Chiqui González y Carlos Schwareder. 1988 y 1989.

7- IV Jornadas de literatura italiana. El teatro italiano y sus proyecciones. Curso dictado por la Escuela de Letras de la Facultad de Humanidades y Artes de la U.N.R. Agosto de l988.

C) TRABAJOS COMO DIRECTOR

1- "Naturaleza rota", estrenada en Badajoz en Octubre de 2010. Funciones durante 2011 programadas en diferentes festivales de España. Obra coescrita con José Guirado y con producción de Al Suroeste teatro.

2- "La Quema", obra escrita y dirigida por Gustavo Guirado, estrenada en Abril de 2010.

Seleccionada a participar en el: XII Encuentro internacional de teatro "Otoño Azul" - Junio de 2011.

Mención Especial dictado por el jurado a la Dramaturgia: Gustavo Guirado

Premio dictado por el jurado en el rubro Mejor Actuación Femenina: Claudia Schujman

Nominada en el rubro Mejor Espectáculo: "La Quema"

Nominado en el rubro Mejor Dirección: Gustavo Guirado

Nominada en el rubro Mejor Actuación Femenina: Paula Fernández

3- "La Temperatura", obra escrita y dirigida por Gustavo Guirado, estrenada en Diciembre de 2008.

Seleccionada para:

- Festival Nacional de Rafaela, Septiembre de 2009.

- Festival Argentino de Teatro (Santa Fe) , Noviembre de 2009.

- Festival Regional de Teatro, Córdoba, Julio de 2010.

- Programa INT Festeja, gira nacional de la obra por varias provincias del país. Septiembre 2010.

4- “Alma Mula o El circo de Bolsillo”, y “Al mundo le falta un tornillo”, ambos espectáculos interpretados por José Guirado y en base a un personaje, Tutotul, de su autoría. Funciones en Argentina, España y Francia en salas de teatro y en espacios no convencionales.

Algunos festivales en los que ha participado:

Feria de Teatro de Calle de Espartinas (Sevilla), Festival Teatro Breve (Almería), La Nuit des Troubadours (Paris), Festa Major del Casco Antic (Ajuntamiento de Barcelona), Tercer Ciclo de Integración Iberoamericana Serena-Argentina, .XlII Edición de Teatro “EL Alcalde de Zalamea”, ll Festival de Nuevo Circo en Cabeza del Buey. Años 2006 y 2007. Festivales Europeos, Holanda, Alemania, Francia y España, 2008, 2009 y 2010. Invitado a festivales en Corea del Sur durante Marzo 2011.

5- “El Rey, las Reinas, el Médico y Ella”, versión libre sobre textos de Ionesco. Estreno con la Comedia de la Universidad del Litoral en Noviembre de 2006. Obra seleccionada para representar a la provincia de Santa Fe (octubre de 2007) en el Festival Regional de Teatro (Paraná, Febrero 2008) y en el Festival Nacional de Teatro (Formosa, Mayo de 2008)

6- “Medea” versión libre sobre la tragedia de Eurípides. Obra seleccionada para los siguientes Festivales Nacionales e Internacionales:

-Ganadora en primer lugar para representar a la región Centro-Litoral en la XX Fiesta Nacional del Teatro (Río Negro, 2005). Mención especial del jurado a la dirección.

-Muestra oficial del V Festival Internacional de Teatro del Mercosur (Córdoba, octubre de 2005). -Festival Argentino de Teatro organizado por la Universidad Nacional del Litoral (Santa Fe, Noviembre de 2005)

-Gira nacional organizada por la Secretaría de Cultura de la Nación, Programa “Argentina de Punta a Punta”, Ministerio de Cultura y Educación, Río Gallegos - Septiembre de 2006.

-8º Experimenta, Festival Internacional de Teatro organizado por Grupo Laboratorio El Rayo Misterioso (Diciembre de 2006)

-Festival Internacional de Teatro organizado por el Instituto Nacional del Teatro (Argentina), Rosario Octubre de 2006. -8º Festival Estival de San Martín de los Andes, Enero de 2007. -Teatro del Mundo en Argentina, sede Tucumán, Octubre de 2007

-III Festival Andino Internacional de Teatro, Mendoza, Octubre de 2007.

7- “Ulises, una teoría del silencio” Funciones durante 2001 y 2002 en distintas salas de la ciudad de Rosario.

8- “Breve historia de la sangre, escenas religiosas”. Obra del Departamento de Producción de la Escuela Provincial de Teatro de Rosario. Estrenada en el Centro de Expresiones Contemporáneas de Rosario. Funciones desde Agosto del 2000 en distintas salas de la ciudad.

9- “Botellas al mar o La Pasión según Alicia”, textos de Lewis Carroll y otros autores. Montaje auspiciado por varias instituciones oficiales, seleccionado en el Ciclo de Teatro Alternativo del País realizado en el Centro de Expresiones Contemporáneas de Rosario. Ganadora en el Encuentro provincial de Teatro y representante de la ciudad en el 14º Festival Nacional de Teatro. Funciones desde 1996 a 1999 en Rosario y distintas ciudades del país.

10- “Historia de una bomba”, de Gustavo Guirado. Esta obra se realizó en toda la provincia con funciones especiales para las escuelas primarias, los años 1994, 1995 y 1996.

11- “Recortes de un desprolijo”, sobre textos de Roberto Arlt, presentada durante los años 1994 y 1995.

12- Entre 1991 y 2001 como director y profesor del Taller Municipal de Teatro (niños, adolescentes y adultos) de Totoras (Santa Fe), las siguientes obras:

- “Los primeros fríos”, de Alberto Novión.

- “Dos Mujeres y una pasión”, de E. Butti.

- “Entremeses españoles” (varios autores) y “Sonetos picarescos” de Francisco Quevedo.

- “Acuerdo para cambiar de casa”, versión libre sobre la obra de Griselda Gambaro.

- “Farsa de la Justicia y el Corregidor” y “El secreto bien guardado”, ambas obras de Alejandro Casona.

- “El tiro por la culata”, basada en La carabina de Ambrosio de F. Mertens.

- “Los Vividores”, de Hikens.

- “Mariucha, ramos generales y afines”, escrita por Gustavo Guirado.

- “Los de abajo”, sobre una idea de Tito Cosa en el "Tío Loco". Escrita por Gustavo Guirado. Con estas obras se hicieron funciones en localidades de la provincia, participando además en Festivales Regionales.

D) TRABAJOS COMO ACTOR EN TEATRO

1- "La Tragedia de Ricardo III", de W. Shakespeare. Protagonista de este montaje dirigido por Ricardo Arias, estrenada en Diciembre de 2008, funciones durante 2009 y 2010.

2- “Muñeca”, de Armando Discépolo. Dirigida por Cristian Marchesi. Estrenada el 31 de Julio de 2003. Funciones en Rosario durante 2003 y 2004.

3- “El asadito”, dirigida por Gustavo Postiglione. Funciones durante Octubre y Noviembre de 2002 en el Teatro La Comedia de Rosario. Temporada Febrero y Marzo de 2003 en el Complejo La Plaza de Buenos Aires.

4- “Mujeres Oscuras”, obra dirigida por Ricardo Arias. Temporada 2001 y 2002 en el Teatro La Manzana de Rosario. Obra seleccionada en la XVIII Fiesta Provincial del Teatro, Rosario 2002. Mención especial a la actuación masculina de Gustavo Guirado. Rosario 2001 a 2006 y continúa.

5- “Ulises, una teoría sobre el silencio” Autor, actor y director de esta obra estrenada el 18 de mayo del 2001 en el Centro de Expresiones Contemporáneas, Rosario. Presentada los años 2001-2002.

6- Actor invitado en la puesta en escena de la inauguración de la nueva Secretaría de Cultura de la Municipalidad en la Estación Rosario Norte. Junio de l999.

7- “Flores negras”, versión libre de Boquitas Pintadas de Manuel Puig. Coproducción con la Municipalidad de Rosario, dirigida por Cristian Marchéis, estrenada en 1997.

8- “Visita guiada a la vida de Belgrano”, Performance con escenas simultáneas y desplazamiento del público realizada en el Monumento Nacional a la Bandera. Producción de la Secretaría de Cultura y Educación de la Municipalidad de Rosario. Rosario, Junio de l997, l998, 2000, 2001, 2006 y 2007.

9- “Cuesta abajo”, de Fiore. Dirigida por Néstor Zapata. Gira sudamericana por Venezuela y Ecuador en noviembre de 1996 y temporada 1997.

10- “Noche de Reyes”, de William Shakespeare. Dirigida por Cristian Marchessi. Años 1996 y 1997.

11- “La comedia filodramática”, escrita y dirigida por Cristian Marchéis, años 1995 y 1996.

12- “Bajo el ala del sombrero”, creación colectiva sobre el tango, dirigida por Chiqui González. Años 1993 a 1995.

13- “La vida perdurable”, creación colectiva. Participación como actor y músico. Obra seleccionada para el Festival Nacional de Mar del Plata. Dirigida por Chiqui González y presentada durante los años 1993 y 1994.

14- “Vals desesperado”, escenas de El Amante de Marguerite Duras. Dirigida por Rodolfo Pacheco, años 1992 y 1993. Funciones en Rosario y otras ciudades del país.

E) TRABAJOS COMO ACTOR EN CINE Y TELEVISIÓN

1- “La peli”, dirigida por Gustavo Postiglione, filmada en Octubre de 2006 y estrenada en 2007.

2- “Tremendo Amanecer”, largometraje dirigido por Gustavo Postiglione. Estrenado en el Festival Internacional de Cine de Mar del Plata en Marzo de 2004. Proyecciones en Festivales sudamericanos y europeos.

3- “Interior Noche”, cortometraje producido por la Escuela de Cine y Televisión de Rosario con dirección de Francisco Pavanetto. Estrenada el 28 de Agosto de 2002.

4- “El cumple”, largometraje dirigido por Gustavo Postiglione. Producido por instituciones estatales y privadas. Estrenada el 07 de Noviembre de 2002. Premios y distinciones Internacionales.

5- “La espera”, cortometraje en 35 mm producido por el Instituto Nacional de Cinematografía dentro del concurso “Historias Breves”. Dirigido por Miren Martinetti. Julio de l999.

6- “Copia fiel”, cortometraje dirigido por Pablo Formagini 1996.

7- “Los días del hijo”, Telefilm dirigido por Néstor Zapata. Película emitida en A.T.C., Canal 3, Galavisión y red de canales de España y Sudamérica. Estrenado en 1996.

F) ACTIVIDAD DOCENTE

1- Seminario intensivo "La poética del actor en el siglo XXI", dictado a directores y actores en Les Golfes de Can Fabra, Barcelona, Julio de 2008.

2- Seminario -"La violencia poética del actor. El cuerpo en escena, dictado a los alumnos del Postítulos en Artes Escénicas de la Universidad Nacional del Litoral. Santa Fe, Noviembre de 2007 y 2009,

3- Taller Contemporaneidad del mito en el trabajo del actor, dictado en la Facultad de Artes de la Universidad Nacional de Cuyo en el marco del III Festival Andino Internacional de Teatro, Mendoza, Octubre de 2007.

4- Seminario de Dirección de Actores y Puesta en Escena, en el marco de la Fiesta Provincial del Teatro, Santa Fe, Noviembre de 2006.

5- Seminario Dirección de Actores y Puesta en Escena, en el marco de la Fiesta Provincial del Teatro, San Miguel de Tucumán, en los meses de Agosto de 2006, 2007 y 2008.

6- Asistencia técnica en Puesta en Escena y Dirección de Actores al grupo de teatro Bambalinas de la ciudad de Corrientes (Argentina), elegido por la obra “Como si fuera esta noche” para representar a la región Noreste en la XX Fiesta Nacional del Teatro. (Febrero 2005)

7- Docente del seminario de Entrenamiento Actoral Para Docentes, como parte del Plan de Fomento a la Actividad Teatral del Instituto Nacional del Teatro. Dictado en Corrientes durante Agosto 2003, Marzo y Abril 2004.

8- Docente del Taller de Teatro para funcionarios del Colegio de Magistrados de Rosario (2004 y 2005)

9- Docente de seminarios de Entrenamiento e Investigación actoral en distintos espacios: Estudio Patricia Mateos, Teatro Cultural de Abajo y Centro Cultural La Casa. Desde el 2000 y continúa.

10- Docente del Taller de Expresión Teatral de la Facultad de Ciencias Económicas de la Universidad Nacional de Rosario, desde 1996 a 1999.

11- Docente de Perfeccionamiento y Entrenamiento actoral de la Sociedad del Ángel, Escuela de Investigación Teatral. Desde 1992 a 1999.

12- Docente y director del Taller Municipal de Teatro de Totoras (Sta. Fe) de 1991 a 2001.

13- Docente de la Escuela Provincial de Teatro desde 1993 y continúa hasta la fecha. Profesor de Interpretación lll y de Seminarios especiales para egresados.

14- Docente del Instituto Provincial de Teatro y Títeres de Rosario en las cátedras de: Dirección de Actores, Puesta en Escena e Historia de la Dirección Teatral, desde el año 1999 y continúa hasta la fecha.

G) ACTIVIDADES DESTACADAS. JURADO DE CONCURSOS

1- Participación como Jurado en el Concurso de Cooproducciones teatrales en el marco del Festival Nacional de Teatro de Rafaela, abril de 2010.

2- Participación como Jurado en el Concurso “La Cultura en Rosario” convocado por la Editorial de la Universidad Nacional de Rosario, Secretaría de Extensión Universitaria, dentro del área TEATRO, 2007 y 2008.

3- Participación como Jurado en el Concurso de Becas de la Secretaría de Cultura de la Provincia de Santa Fe, correspondiente al área TEATRO Y DANZA. Octubre de 2006.

4- Jurado en el Encuentro Provincial de Teatro de Entre Ríos. Octubre del 2000. 5- Integrante del Consejo Técnico Pedagógico de la Escuela Provincial de teatro de Rosario, durante los años 1997 y 1998.

H) OTROS CARGOS.

1- Autor y Coordinador del proyecto “Circuito Interbarrial de Teatro”, dependiente de la Secretaría de Cultura de la Municipalidad de Rosario, desde Marzo de 2004 y continúa.

2- Coordinador de Cultura del Centro Municipal de Distrito Oeste "Felipe Moré" de la ciudad de Rosario desde junio de 1999 a diciembre de 2003.

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Medea: entre nosotros.

2008-05-27T08:55:00.000-07:00

Medea entre nosotros

"La naturaleza del hombre es malvada. Su bondad es cultural, adquirida"
Simone de Beauvoir

"Las palabras no pueden evitar nada y sin embargo hay que decirlas" dice Jasón en una de las tantas Medeas escritas a lo largo de 2500 años. El mito siempre hizo referencia a pulsiones propia de lo humano, a un orden superior de las cosas del mundo, inexplicable o inasible, ligado al horror de la percepción, pero que el habla no alcanza a nombrar. Así es que los dramaturgos (Eurípides, Séneca, Anohuil, etc.) han ido construyendo una estructura formal para señalarnos que allí hay un pozo de profundidad inestimable. Vemos la cerca que lo rodea (posible estructura dramática) hecha de situaciones, acciones y textos, vemos las señales de una frontera infranqueable pero aquello que nos atrae, con fascinación y horror a la vez, no puede ser visto. Pero sí percibido.
Para eso están los actores, metáforas puras y encarnadas que nos acompañan hasta ese umbral donde cada espectador puede encontrarse con el hombre y la mujer que ha sido a través de los tiempos, aquél, aquella que pervive con fuerzas que atacan los principios de realidad, una otra naturaleza, tangible en lo real de los sueños y sobre las cuales, la palabra, los órdenes establecidos por la razón en todas sus formas posibles, necesariamente han fracasado. A este fracaso lo llamamos cultura occidental.
Seguimos siendo los mismos que fuimos en el principio de los tiempos, frágiles criaturas inquietadas por fuerzas que no comprendemos y que por desesperación damos en llamar odio, amor, pasión…
Medea viene a recordarnos esto.
Medea está entre nosotros.

Gustavo Guirado

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Crítica Medea: Página 12 - 31/01/07

2008-05-27T08:51:00.000-07:00

Extracto del Diario Pagina 12 - 31 Enero 2007

Por Cecilia Hopkins

En la muestra neuquina, que termina mañana, se destacaron Medea, en una versión libre, y El lobo, de Pablo Rotemberg.

Dirigida por Gustavo Guirado, la Medea que presentó el grupo rosarino Punto “O” Teatro es de una fuerza concentrada, demoledora. Aunque dé comienzo con un despreocupado juego infantil a cargo de las niñas Lucila Díaz y Laura Diez, no tarda en instalarse en escena un clima de tenebrosa densidad. La obra desarrolla en singular versión –una vez leídas las Medea de Corneille, Anohuil, Heiner Müller, entre muchas otras–, la historia de la temperamental esposa –interpretada por Vilma Echeverría– que asesina a su hija, tras ser abandonada por el marido. La puesta propone un marco doméstico extrañante, dominado por una vieja heladera, sostén de potentes imágenes que traducen el desasosiego y la violencia que experimentan los protagonistas. “Uno genera lenguaje artístico cuando no puede nombrar algo, en este caso, los deseos y las pulsiones que son comunes a todos los seres humanos, que los griegos supieron percibir tan bien. El de Medea es un acto extremo relacionado con el amor, porque la idea de venganza no es suficiente para nombrarlo”, afirma el director en conversación con este diario. Guirado recurrió a actores que supieran trabajar desde sí mismos más que componer un personaje desde la representación de un rol. “Es imposible no ser contemporáneo así uno haga un clásico –opina el director–. Por eso, la historia que hemos vivido o la que hemos recibido de nuestros padres siempre aparece en nuestro imaginario.” Guirado lo dice porque imaginó desde el inicio de esta puesta que Creonte, poderoso representante de las leyes civiles, y el aguerrido Jasón, esposo de Medea (ambos interpretados por Ricardo Arias), representan por una parte el poder absoluto y, por la otra, “al que fue de izquierda y que, abandonando toda posición revolucionaria se vuelve lenguaraz del menemismo”.

Critica Medea: Diario Clarin, por Olga Cosetino

2008-05-27T08:45:00.000-07:00

Clarin - 31.03.2005

TEATRO XX FIESTA NACIONAL DEL TEATRO

Los griegos, siempre clásicos
Una versión de "Medea", por el grupo Punto O, de Santa Fe, entre lo más destacado.

Por Olga Cosentino.

Entre las seis de la tarde y la madrugada, en las ciudades rionegrinas de General Roca, Cipolletti y Villa Regina se registran por estos días temperaturas extremas. El aire es seco frío en el Alto Valle, la zona que supo ser un desierto salitroso hasta principios del siglo XX y hoy es un jardín frutihortícola. Pero la atmósfera se enciende en las salas, galpones y centros culturales donde, a dos pesos la entrada, la XX Fiesta Nacional del Teatro reúne un público predominantemente joven que agota sillas, butacas, gradas y pasillos para ver en una semana una cantidad de espectáculos que acaso no le sea posible ver a lo largo de un año.

Si bien no es vivido como una expresión de identidad regional del tipo de la tradicional Fiesta de la Manzana (de hecho la Fiesta Nacional del Teatro es un evento de locación itinerante), se advierte en los sectores involucrados la necesidad de aprovechar esta oportunidad de descubrir y ser descubiertos. La avidez por el intercambio con el teatro que se hace en otras provincias y en la Capital aparece como un síntoma más de un federalismo insatisfecho. Los diarios locales conceden un espacio privilegiado a los reportajes a personalidades del teatro porteño presentes en el encuentro como Lito Cruz, Mauricio Kartun o Alejandro Doria, a la vez que señalan con cierto despecho la ausencia, en la inauguración, del secretario de Cultura de la Nación Dr. José Nun o aun del gobernador de la provincia, Miguel Saiz.

Lo que se ha visto hasta ahora en el encuentro no es, con sus más y sus menos, demasiado diferente de lo que ofrece cualquier muestra teatral, no importa su localización nacional o internacional. No hay, es cierto y al menos hasta ahora, ninguna megaproducción, pero en cuanto al interés y la calidad artística de la oferta, el abanico es suficientemente amplio. A la hora de los aplausos, sin embargo, la aprobación unánime no califica ni exige. Haber estado ahí es lo que se agradece.

Lo que no resulta fácil es estar a la vez en las tres ciudades sede del encuentro. Por eso la Fiesta Nacional del Teatro hace circular sus espectáculos, encuentros, seminarios y charlas. Y a esta altura, ya existe cierto consenso en cuanto a la calidad de algunas propuestas. Es el caso de la versión de Medea, un trabajo calificadísimo del grupo Punto O, de Santa Fe, que el domingo se vio en Roca, el lunes pasó por Cipolletti y el martes concluyó su gira en Villa Regina, la ciudad que lleva en su nombre la marca de su identidad teatral: fue bautizada así en homenaje a la cantante lírica Regina Pacini, esposa del presidente Marcelo T. de Alvear, quien firmó el decreto fundacional de la localidad.

Volviendo a esta valiosa Medea, se trata de una recreación de la tragedia de Eurípides con dramaturgia y dirección de Gustavo Guirado, que actualiza y a la vez mantiene la universalidad del mito acerca de la mujer que subvierte el lugar asignado a su género por la sociedad.

Con una actuación de notable compromiso, la actriz Vilma Echeverría hace transitar a su protagonista desde la desdicha amorosa al saberse traicionada por Jasón, pasando por la búsqueda desesperada de su deseo sexual, hasta la locura asesina que la lleva a castigar al esposo infiel matando a la pequeña hija de ambos. Párrafo aparte merece la Nodriza a cargo de Margot Rubatino, una actriz de sorprendente expresividad. Pero en la concepción de la puesta, en la sugerente utilización de los elementos de utilería (una vieja heladera eléctrica que guarda una siniestra colección de muñecas), en el diálogo constante de la inocencia (las niñas Lucila Díaz y Lara Setembrini) con la muerte y en eficacia poética de la iluminación, este trabajo testimonia la excelencia y singularidad del grupo santafesino.

Nota Medea: "el primer salto..."

2008-05-27T08:39:00.000-07:00

Extracto del Diario La Voz del Interior

29 de marzo de 2005

Por Verónica Molas

“Medea”, el primer salto.

La Fiesta Nacional, que para los rionegrinos es todo un acontecimiento, está convocando cada noche a más de 1.500 personas en sus tres sedes de General Roca, Villa Regina y Cipolletti. El domingo, los mendocinos de Y no se olviden de Toto, hicieron reír a unas 800 personas que colmaron la enorme sala del Círculo Italiano en Villa Regina. El aplauso del público, en su mayoría de la zona, interrumpió varias veces la obra. Pasadas las 23, en el auditorio de Fundación Patagonia de General Roca, el elenco santafesino de Medea debió agregar una función más. Esto es algo que empieza a repetirse con otras obras, a las que se agregan más funciones por la demanda de entradas.

Medea, que hizo la primera presentación de lujo, ofreció una noche de fuerte suspenso con su excelente versión de la tragedia. Contó para ello con una soberbia actuación de Vilma Echevarría del grupo Punto O Teatro. Dirigido por Gustavo Guirado, este grupo se presentó el año pasado en DocumentA Escénicas con la obra Mujeres oscuras.

Crítica Medea: "El mal no es algo..."

2008-05-27T08:34:00.000-07:00

Miguel Passarini - Rosario - Sábado 16 de octubre de 2004

"El mal no es algo que está fuera del hombre”

Gustavo Guirado, al frente de Punto 0, presenta su versión del clásico “Medea”.

La vigencia de los clásicos suele en muchos casos poner en evidencia que todo fue hecho, pensado y escrito mucho antes de lo que alcanza a dictar el pensamiento. Así, nuevamente sugestionado por la magia y la consternación que provocan los personajes clásicos, el actor y director Gustavo Guirado, esta vez al frente de Punto 0 Teatro, estrenará para el público, esta noche a las 22, en El Rayo (San Martín 473), una versión de Medea, de Eurípides, con las actuaciones de Vilma Echeverría, Ricardo Arias, Margot Rubatino, y las niñas Lucila Díaz y Iara Settembrini. Medea seguirá en cartel los sábados a las 22 y domingos a las 21.

Guirado, quien tiene en su haber un largo recorrido como actor y director, dialogó con El Ciudadano acerca de esta propuesta que describe el dolor, la soledad y la venganza de Medea, esposa de Jasón, padre de sus hijos, quien va a repudiarla y a casarse con la hija de Creonte, rey de Corinto, en busca de poder, traicionándola. Esto dispara la furia de Medea, quien desata un reguero de muertes que incluye la de sus propios hijos.

“Éste es un proyecto que tengo desde hace ocho años. Uno a veces piensa que, de alguna manera, ya pasó por casi todas las instancias del teatro. Sin embargo, empezar a trabajar con Medea me hizo replantear absolutamente todo. Uno sabe mucho acerca de la tragedia en la teoría. Sin embargo, al comenzar a transitarla te das cuenta que te estás metiendo con un universo muy poderoso. Se desata algo que resulta ineludible, que te obliga a pararte de otro modo ante el trabajo de los actores que están todo el tiempo al límite”, expresó Guirado respecto de esta obra que con relación al tema de una madre que mata a sus hijos (crimen ocurrido la semana pasada en Rosario) adquirió una vigencia inusitada.Con relación al criterio de adaptación, el director explicó que la acción “transcurre en una cocina de clase media muy venida a menos, con unos pocos elementos. Después hay un fuerte trabajo sobre los textos, partiendo siempre del original de Eurípides, a lo que los actores aportaron lo suyo desde las improvisaciones”.

Respecto de los personajes, Guirado adelantó: “Aparecen Medea, interpretada por Vilma Echeverría, y Jasón y Creonte, personajes que lleva adelante Ricardo Arias, quien se desdobla frente al público. Esa fue una de las ideas iniciales: para mí Jasón y Creonte son la misma cosa, es el lugar de la masculinidad. También hay dos niñas en escena, de ocho y once años, que son las hijas”. Respecto del trabajo con las niñas, el director explicó: “Se trató de un gran desafío para todo el grupo porque trabajar con niños es complicado. De antemano supe que no podía hacer esta obra sin las niñas. No se trata de un capricho, sucede que la mirada de los niños nos impide disimular, los niños nos interpelan de una manera que a los adultos nos quita las referencias. Las niñas son las que dan el puntapié inicial de este espectáculo: corren, juegan y, delante del público, son las que, jugando a «piedra, papel y tijera», definen cuál de las dos hace la función. La que gana actúa, la otra la acompaña”.

En relación con las diferencias generacionales de los actores que participan del montaje, el director expresó: “Margot, que en la obra es la nana, es una mujer mayor, y junto con Vilma y las niñas completa los tres momentos del cuerpo femenino. Esos momentos, confrontados y puestos en evidencia, son gran parte de la obra. Si bien esto no narra en sí mismo, la presencia de estas mujeres tiene un gran poder de operar sobre el público”. Respecto del valor que tiene el texto mítico en la actualidad, Guirado detalló: “Con esta obra nos enfrentamos al misterio de la femineidad. Hace 2500 años (el original de Eurípides fue escrito en el 431ac) estos autores clásicos tenían muy claro acerca de qué escribían. Medea es uno de los mitos más poderosos de occidente, tanto o más que Edipo. Esta obra es una extraordinaria forma de acercarse a cuestiones que no se nombran pero que se perciben. Los griegos sabían mucho más de lo que imaginamos. Por eso, para poder contestar a esos horrores de la vida, primero narraron los mitos y después escribieron las tragedias”.

“Por otro lado –continuó Guirado–, hay algo extraordinario que estos autores habían descubierto y que Medea lo confirma, y es que el mal no es algo del afuera, ellos tenían la certeza de que el mal está en nosotros, del mismo modo que está el bien. Esta obra es una forma de dar cuenta de esa dualidad. Estos personajes, como los de todas las tragedias, no son malos, hacen el mal, que es otra cosa. Por otro lado, no son personajes que creen sino que saben, y ese es un estado particular de la existencia. La obra es también un gran interrogante acerca del deseo, en cuanto realidad causante de la vida y de la muerte: aquí, la misma fuerza que da vida, destruye”.

Finalmente, Guirado se explayó respecto del misterio de la femineidad que encierra el personaje: “El de la femineidad es un misterio al cual el hombre siempre supo que no podía acceder, es algo que no será develado nunca, y es maravilloso que así sea. Por eso, esta obra te da la posibilidad de acercarte a los lugares del misterio femenino. Se trata de esa cosa de destrucción y a la vez de pulsión erótica que tiene el personaje. Todo en un mismo cuerpo de mujer. Lo erótico y lo malicioso están latentes y conviviendo en cada escena de esta obra”.

Acerca de El rey, las reinas el médico y ella.

2008-05-19T11:24:00.000-07:00

En el principio fueron la palabra y el desorden, una “oscura intuición” (1) y el cuerpo de los actores como mojones en un territorio donde el camino se crea en la misma acción del caminar, según lo cantara el poeta, un puro devenir donde en cualquier recodo “te salta la liebre”. De eso se trató el abordaje primero, de ver qué aparece de entre las sombras, del lapsus, el acto fallido, de la ocurrencia, del humor como deriva del sentido, como fisura en los hábitos del discurso. Actitud atorrante frente al lenguaje.En el principio estuvo Ionesco, el de las escenas teatrales pero también el teórico combatiente que en los años 50 y 60 desataba polémicas con la crítica oficial de la época. Podría decir que esas palabras cargadas de significación me situaron en una formidable paradoja: lo que se enunciaba en esos textos diversos me acercaban a una zona que se recortaba por fuera de los mismos. Descubrir aquello que no estaba en las palabras pero que a partir de ellas por pura resonancia hablaba desde alguna parte, apuraba el inicio del viaje. Viaje que por convención aquí llamaremos puesta en escena y que por necesidad operativa de estreno, terminamos llamando El rey, las reinas, el médico y ella.

Toda obra que se encara nos implica en la preguntas: “quién soy, de adónde vengo” (2) y es precisamente por eso que la hacemos, para aventurar algunas respuestas que compartimos con el público, pero son respuestas abiertas, precarias, que no implican cerrar conceptos definitivos, que se esbozan para en verdad dejar planteadas otras preguntas.

En este devenir de la escritura trato de explicar lo que entiendo por hacer teatro y de aclarar rápidamente que sabemos que el teatro no está en los textos, que aunque amamos las palabras de los autores, eso efímero, violento y extraño, tangible y bello de algún modo, que nos sigue convocando después de milenios y que llamamos la escena teatral se conjuga finalmente en el cuerpo de los actores disparados, instalados en el espacio y el tiempo por fuerzas que unas veces podemos nombrar pero otras tantas no, y entonces simplemente nos impulsan en caída libre y, maravillosamente, no nos queda otra cosa que actuar, que generar un lenguaje poético.

Quiero decir, con los actores nos apartamos de la interpretación más o menos feliz de las ideas del texto. Para nosotros fue el tiempo de la actuación, bien distinta es la cosa, bien distinto es accionar que interpretar. Soy conciente que dar cuenta de este principio, de esta postura frente a la teatralidad, excede ampliamente el espacio de este escrito.

Para decirlo de algún modo, con los actores y actrices de la Comedia Universitaria quisimos poner en evidencia las fuerzas que nos habitaban como personas en un tiempo y una geografía particular, pulsar un imaginario –tanto en lo colectivo como en lo individual- que generara una dramaturgia de lo ineludible, aquello que a partir de improvisaciones, de objetos e incluso de vestuarios iba surgiendo en el choque con los textos de Ionesco.

Ahí están como huellas, a veces lábiles -una gramática onírica pero en plena vigilia- la inundación del 2003, el abandono de la clase política gobernante, el extravío de todo sentido en la acción colectiva, los grandes y pequeños miedos personales, las fantasías y memorias, y de alguna manera, la noción de venganza o por lo menos de revancha en la decisión feroz de la actuación. Porque ante todo, la actuación exige un cuerpo decidido y vaya trabajo este en un país en donde hemos perdido la capacidad de decidir como cuerpo social.

Hay que ser muy valiente para ser actor/triz en estos tiempos, hay que serlo para afrontar con entereza y a las trompadas limpias la prepotencia de las “leyes del mercado” y todas esas fantasías idiotizantes sobre el “éxito” y el “triunfo” que suelen confundirnos. El teatro no es para todo el mundo, es para los que asumen el riesgo vital de la poesía, del trabajo arduo con las resonancias personales, las asociaciones múltiples de la imaginación y la acción, el ejercicio de una libertad creadora que no siempre nos ahorra la angustia de la existencia. Y que además, digámoslo claramente, nos ponen a discutir, nos incomoda, con nuestros propios vicios y malentendidos respecto al teatro mismo como acontecimiento inscripto dentro de una tradición.

La vehemencia que pongo en este escrito y que alguno puede juzgar hiperbólica obedece a la alegría que me ha dado el encuentro con actores y asistentes como éstos, que a través de ese formidable instrumento institucional que es la Comedia Universitaria de la UNL, proponen un lenguaje virulento, sin especulación, invitando al espectador a un ejercicio poético de confrontación con los principios de realidad, tan caros a los discursos del poder en cualquiera de sus formas reconocibles.

(1) Peter Brook, en Provocaciones.
(2) Alberto Ure, en Sacate la careta.
Gustavo Guirado

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Crítica "El rey, las reinas, el médico y ella"

2008-05-19T11:20:00.000-07:00

Crítica publicada en el diario El Litoral (Santa Fe) 06 de Junio de 2007

"El rey, las reinas, el médico y ella"

La violencia está en nosotros En un ámbito reconocible, "lleno de empleados públicos", reina un rey que se está muriendo. "El rey, las reinas, el médico y ella", la obra de Gustavo Guirado estrenada por la Comedia Universitaria de la UNL en Tabula Rasa, cuenta la historia de ese rey, de su territorio y de esos personajes, inmersos en un mundo de crueldad y destrucción. Ese rey tiene atributos humanos: amor a la agresión, amor al lenguaje, amor a la belleza. Pero en la plenitud de su vida no ha entendido aún la verdadera importancia de la libertad, la que disfruta de un modo tan violento. Sólo cuando está a punto de morir parece capaz de llegar a transformarse en un verdadero ser humano.

Con este texto de múltiples lecturas, Guirado abarca desde elementos sociopolíticos hasta connotaciones existenciales. El desarrollo de la trama permite construir personas más que personajes y tratar las formas específicas de relación entre ellos. En un principio, pueden aparecer en términos realistas, pero se advierte que detrás del mundo concreto existe otro plano de realidad que enriquece mucho más el punto de partida. La necesidad de orden, de forma y de contención que siente el hombre contemporáneo no es más que la otra cara de su carácter caótico. El temor y la angustia, que produce la erupción del caos, conducen a querer contenernos a través de la forma.

El texto dramático suele mezclar la realidad, la filosofía y el humor ("a mí nadie me avisó", dice el rey). Pero el humor consiste en poder cuestionar el entorno y, en este sentido, el mejor punto de partida es no sentirse seguro de nada. Por eso, tiene un matiz por cierto angustiante. El nudo de la historia del texto es, si se quiere, muy simple: hay alguien que quiere entrar al lugar donde está el otro y éste se niega a salir. Ésa es toda la historia.

La puesta en escena del mismo Guirado hace posible que la obra esté viva más allá del mismo texto, para demostrar una vez más que el teatro vive de la imaginación de los demás. De tal modo, el concepto de realidad desborda lo inmediato para abarcar varias posibilidades. Las formas de las imágenes y representaciones del mundo también expresan lo real. La imaginación se mezcla con lo que es perceptible y ofrece un enorme espacio de creatividad.

"El rey..." encierra una idea esencial: la creación salvadora es la artística, que conlleva un juego transgresor ineludible. La totalidad hace sentir al público la presión artificial de la realidad, a partir de varios elementos que se alternan en luz y oscuridad, silencio y sonido. A través del montaje se encuentra un curso no casual, no caótico, que es el vital.

Los actores son un soporte fundamental en los logros de este espectáculo. Eduardo Fessia ofrece el mejor trabajo de su carrera, a partir de una interpretación brillante y conmovedora, del mismo modo que Raúl Kreig, excelente en la resolución de un personaje que le queda como anillo al dedo, y Marcela Cataldo, exacta, precisa, segura y soberbia en una Reina Margarita para el recuerdo. María Sol Jara y Vanina Monasterolo se destacan a partir de muy buenas labores al afrontar personajes de igual compromiso. Ninguno de ellos, magníficamente dirigidos por Guirado, desecha nada perceptible por los sentidos: el golpe, el ruido, la huida, la caída, el horror, el magnetismo, la seducción, para apuntar a lo visceral, al estómago. Se trata de demostrar lo limitadas que son la inteligencia y la razón para percibir las cosas y van a una fibra íntima que reduce todo a vida o muerte, por eso despierta risa o temor, admiración o burla. Un gran juego al que se le ha dado el rol protagónico. La acción, la lucha, el sufrimiento y el gozo, si son seguidos por la declinación, producen la muerte del ser humano y al mismo tiempo impulsan un nuevo intento de vida, tal la alegoría final del espectáculo.

Roberto Schneider